Entrevista a Brandon Ballengée


(Original interview in English below )

Brandon Ballengée es un artista estadounidense: artista visual, biólogo y activista medioambiental. Creando obras e instalaciones que mezclan biología, arte y actualidad, traduce visualmente, con intensidad, creatividad y de manera muy didáctica, lo que está pasando a la naturaleza, a los insectos, a los anfibios, a las aves, a los peces, y a todas las formas de vida que estudia.

La ciencia y la dedicación a su entorno natural inspira su arte y al revés. Pero mejor que lo explique él, en esta maravillosa entrevista. Preparados: ¡engancha!

¿Puedes explicar en qué consiste tu actividad? ¿Y lo que defiende o lo que defiendes tú?

Como artista y biólogo mi práctica forma parte de un enfoque transdisciplinar. Subyacente a mi actividad existe una metodología sistémica que propone la práctica del arte como un medio para realizar investigación científica y vice-versa. Un objetivo paralelo es conectar con la gente a través de un mensaje ambiental, es mi forma de hacer activismo ecológico. En lo que yo llamo ‘biología participativa” preparo a voluntarios para ayudar a recoger datos y participar en la investigación científica actual. A través del arte trato de llegar a audiencias con diferentes niveles sensoriales, espectadores que al ver imágenes o al interactuar con instalaciones, conectan con los organismos a un nivel muy íntimo.

 
Brandon Ballengée - A Season in Hell : Deadly Born Cry - Touch
¿Cómo te convertiste en «el hombre rana»?

Crecí en una zona rural rodeado de naturaleza y de animales. Mis primeros recuerdos consisten en mí mismo mirando ranas, salamandras, peces e insectos, después dibujándolos y posteriormente grabando su comportamiento en un laboratorio construido en el sótano de la casa de mis padres. Cuando era adolescente hacía pinturas gigantes – sí, un expresionista abstracto adolescente, tan escalofriante como suena-, posteriormente las noticias empezaron a hablar del descenso global de los anfibios y más tarde de las malformaciones en sus poblaciones. Yo estaba enojado, preocupado y quería hacer algo, así que me puse a hacer arte sobre ellos para difundir el mensaje.

Los artistas pueden desempeñar un papel importante en el aumento de la conciencia ecológica a través de sus obras de arte sobre la naturaleza y de las intervenciones directas en las comunidades locales. Las ranas y otros anfibios son un grupo maravilloso de animales. Sus variaciones de colores, formas y conductas siempre han fascinado a la gente. Por desgracia, también son muy sensibles a los cambios medio ambientales. Más del 40 por ciento de las especies conocidas están en declive o ya han desaparecido. Muchas de estas poblaciones han caído en picado en las últimas cuatro décadas. Encontrar ya las causas y las posibles soluciones es importante para poder protegerlas. Espero que mi arte y mi ciencia puedan ayudar a hacer esto.

¿Cómo puede un científico terminar haciendo arte?

Históricamente muchos científicos han creado arte: El abuelo de Charles Darwin, Erasmus Darwin fue médico y poeta; John Gould y John James Audubon eran artistas visuales y proto-ornitólogos; Ernst Haeckel describió innumerables microbios a través de sus hermosos dibujos que documentaron su ciencia; Leonardo da Vinci, por supuesto. Es recientemente (sobre todo después de la Segunda Guerra Mundial) cuando se han solidificado los límites culturales restrictivos entre el arte y la ciencia.

Mi práctica como científico documenta e inspira mi arte. Durante la realización de la investigación primaria sigo rigurosamente estudios biológicos, métodos y estándares científicos. El arte es una expresión derivada de los experimentos con animales en condiciones naturales o artificiales y de la investigación científica primaria. Cuando hago arte, trabajo de forma más intuitiva y reflexiono sobre las preguntas de la ciencia de una manera diferente, menos objetiva. Este mirar desde un punto de vista diferente inspira nuevas preguntas, nuevos experimentos y más ciencia. Así, no sólo las prácticas se retroalimentan, sino que también los resultados llegan a públicos diferentes. A través de la ciencia, puedo lograr una mejor comprensión de los fenómenos biológicos y compartir los resultados con la comunidad científica. Mientras que mis obras de arte pueden llevar más fácilmente información sobre ecología a un público no científico más amplio.

Brandon Ballengée - DP 5: Jacobine

Brandon Ballengée - DP 15.2: Red Magpie Tumbler (verso)

Para un observador podría parecer que la ciencia y el arte son dos universos completamente diferentes y opuestos, ¿es cierto o tienen algo que aportarse mutuamente?

Fundamentalmente el arte y la ciencia son dos formas creativas para dar sentido al mundo que nos rodea. Los métodos y los resultados son muy diferentes. La ciencia debe permanecer objetiva y seguir unos métodos de experimentación que puedan ser repetidos por otros científicos. El arte gira más en torno a la expresión individual, cada uno construye sus propias pautas y puede ser mucho más subjetivo. Ahora bien, ninguna de estas definiciones son inamovibles, los artistas y los científicos siempre están expandiendo sus límites, construyendo, deconstruyendo y volviendo a crear lo que es el arte y la ciencia. En un momento dado, las dos prácticas pueden alimentarse entre sí para ofrecer una comprensión holística o transdisciplinar de la manera en que nos percibimos a nosotros mismos y al mundo.

Malamp: al teñir y luego fotografiar, las muestras parecen radiografiadas. ¿Es lo que querías? ¿Por qué elegiste este método en vez de la radiografía (¡excepto para evitar el camino fácil!)

El proceso químico de decoloración y después tinción de ranas terminalmente deformes, encontradas en la naturaleza, permite un nivel de abstracción, o una distancia, al tiempo que revela la compleja configuración de las malformaciones en el desarrollo. Se trataba de impedir la representación directa, ya que no quiero mostrar imágenes en gran formato de “monstruos”, lo cual sería aterrador y llegaría a ser considerado como explotación de la desgracia del organismo. Estéticamente, el hueso y el cartílago están teñidos con colores vibrantes en contraste con la piel, que es semi-transparente, como un sudario o casi como un fantasma. Una vez decolorados y teñidos, los especímenes parecen casi como atravesados por rayos X, pero tienen más detalle y colores más intensos .

Brandon Ballengée - Malamp - DFA 186 - Hadēs

Este proceso de decoloración y tinción es seguido por una fotografía de escaneo en alta resolución; fotografía directa de imágenes para hacer referencia a la tradición histórica de fotogramas que hacían los científicos de antaño como Anna Atkins. Cada escaneo se convierte en un retrato de un organismo en concreto. Estos retratos se imprimen como copias únicas en tintas al agua (nunca hago ediciones) y cada individuo se centra y parece “flotar” en lo que podrían ser nubes o el cielo. Esta calidad de organismos de otro mundo se ve reforzada por los títulos con nombres de personajes antiguos de la mitología greco-romana. Se imprimen a escala, de modo que las ranas aparecen aproximadamente del tamaño de un bebé humano, con la idea de inducir empatía en lugar de desapego o miedo – si fuesen demasiado pequeñas pasarían desapercibidas, en cambio si fuesen demasiado grandes llegarían a ser auténticos monstruos. Cada obra de arte acabada es única y nunca se duplica, es una manera de recordar al animal individual y convertir la obra en un relicario de una vida no-humana de corta duración. Esto da nombre a mi siguiente serie en curso “Malamp Relicarios“.

Brandon Ballengée - Malamp - DFA 23 - Khárôn

Brandon Ballengée - Malamp - DFA 117 - Galatée

Brandon Ballengée - Malamp - DFA 136 - Procrustes

Brandon Ballengée - Malamp - Styx - Belgium 1

¿Cuál fue el primer trabajo que hiciste o el método que empleaste, es decir, la idea de base que hizo que arrancases y definieses tu trabajo desde ahí?

Sí , hay muchos. Por ejemplo, uno que destaca, fue la creación de los primeros Relicarios Malamp. En 2001; mi colaborador durante mucho tiempo, Stanley K. Sessions y yo recibimos fondos de la Fundación Rockefeller para investigar cómo la tecnología podría utilizarse para visualizar la biodiversidad en el Instituto de Artes Electrónicas de la Universidad Alfred (EE.UU.). En la AIE estábamos observando especímenes decolorados y teñidos a muy alta resolución y realizando impresiones experimentales; una noche, después de 14 horas de trabajo, imprimimos una rana deformada, al tamaño de un bebé, en una impresora Iris (tinta al agua sobre papel de acuarela). La obra de arte resultante ( “DFA 83: karkinos”) nos dejó sin palabras, de verdad, hizo que se nos saltaran las lágrimas. Después de muchos años de ensayo y error, esta técnica funcionó a la perfección bajo el concepto subyacente de querer despertar la conciencia en las personas sobre estos animales deformes. El color de la impresora Iris era intenso pero suave al mismo tiempo, nada chirriante, sino hermoso, profundo y atractivo. El escalado mostraba al espécimen como un bebé, no demasiado grande o aterrador ni demasiado pequeño, sino al tamaño ideal para crear una íntima conexión entre la rana y el espectador.

¿Qué es la cosa más loca que has hecho como artista?

¿Cómo defines loco? … bueno, para los estándares de la mayoría de las personas, hacer castillos de arena en un suelo contaminado por radiactividad, podría ser una de ellas; lo hice para un proyecto llamado “Acme Labs: una excursión a Fernald” allá por el 2000.

Un proyecto posterior consistió en dejar analizar mi sangre, pelo y tejidos, para ver el contenido de contaminantes industriales, a continuación, utilizamos mi sangre como pintura mezclada con esos contaminantes en altas concentraciones, para hacer la serie “Alchimie de la Douleur“.

Otros proyectos, mi “Love Motel for Instects” (Motel del Amor para Insectos) son esculturas de luz al aire libre destinadas a fomentar la fornicación de insectos y crear espectáculos participativos entre especies, es decir entre los humanos y los artrópodos.

O tratar de volver a dar vida a una especie de rana que puede haberse extinguido en la naturaleza. Ninguno de estos o de mis otros proyectos están destinados a ser una locura, sino que tienen la finalidad de obtener ideas a través de la gente.

brandon_ballengee_love_motel_for_insects_eining_variation_3

Brandon Ballengée - Love Motel for Insects - Actius Luna Variat

Si fueses un científico loco, ¿en qué proyecto de ciencia ficción te gustaría trabajar?

Imagina ciudades sostenibles que crean no sólo la energía consumida, no sólo el capital humano, sino el capital natural.

Imagina la igualdad de derechos a los recursos naturales para todas las especies.

Imagina la aceptación de que todos los seres humanos, masculinos, femeninos, transgénero, marrones, blancos, morados o verdes son una especie unificada. Todos somos los mismos malditos animales, así que ¿por qué seguimos peleando entre nosotros mismos y destruyendo nuestro hogar, la Tierra?

Imagina un sistema de creencias en el que las personas dejan de luchar entre sí y trabajan hacia un bien común para nuestra especie y para las demás.

Imagina un futuro en el que la gente entienda que el mayor recurso que tenemos en nuestro planeta es la biodiversidad y que se trabaje colectivamente para protegerla. La diversidad cultural se incluye en la biodiversidad, ya que nosotros somos una entre todas las demás especies, y todos deberíamos trabajar en pro de su protección.

El silencio y la ausencia de alguna manera están muy presentes y son muy intensos en tu trabajo, a veces más de lo que está, por ejemplo, en Collapse o en Frameworks of Absence. ¿Puedes explicarlo?

El silencio y la ausencia se utilizan metafóricamente para recordar la extinción. Para la mayoría de nosotros la idea de que todo un grupo de organismos está muerto para siempre es muy difícil de comprender. Tenemos unos períodos de vida tan cortos; incluso nuestra propia mortalidad suele ser difícil de entender, por tanto, mucho menos la idea de la pérdida biológica permanente como consecuencia de la extinción de especies.

Durante años he tratado de pensar lo que significa la extinción y de qué manera podía expresarlo a través del arte. A finales de los 90, recogí libros históricos y obras de arte que contenían imágenes a tinta de animales que ya se habían extinguido. Posteriormente esto me llevó a la creación de instalaciones, tales como An Illustrated Key to the Fishes of Jamaica Bay ca. 1974- 2024 AD. (2002-2004), donde fueron puestos a contraluz especímenes disecados, de manera que aparecían como siluetas a los espectadores. Aquí, unos peces disecados se mostraban como formas oscuras que simbolizaban la pérdida de especies debido a la degradación ambiental presente y futura.

Más recientemente, mi serie Frameworks of Absence: The Extinct Birds of John James Audubon (2006-presente), gira en torno a la pérdida de especies de aves. En estas obras, he recortado físicamente las aves que había dibujadas en grabados históricos de John James Audubon, los cuales había ido adquiriendo a lo largo de varios años. Las láminas originales iban siendo elegidas justo en el momento en que las especies de aves representadas se extinguían. Por ejemplo, en RIP Pied or Labrador Duck (2007), las aves fueron retiradas de un original de 1856 (pintadas a mano por uno de los hijos de Audubon) impresas en el mismo momento histórico en que la especie se extinguió. La imagen resultante, menos el sujeto, es lo que denomino como un marco para la ausencia.

Brandon Ballengée - Framework of Absence - RIP Passenger Pigeon

Brandon Ballengée - Framework of Absence - RIP Great Auk

La instalación “Collapse” surge a partir de la ruptura de la cadena alimentaria en el Golfo de México después de la fuga de petróleo en 2010 de la plataforma Deepwater Horizon (DWH) de BP y el uso de dispersantes teratológicos utilizados para “limpiar” el vertido. Físicamente, “Collapse” fue una pirámide hecha de cientos de botes con peces disecados, otros organismos acuáticos y vertido de la DWH. Hubo más de 25.000 ejemplares en la instalación y casi 700 tarros – desde enormes cucarachas de las profundidades (isópodos), a camarones sin ojos manchados de petróleo o tarros llenos de pequeños caracoles de mar- fue como una especie de boceto, literalmente menos del 5 % de la biodiversidad del Golfo y un pequeño fragmento de la vida que se perdió por el derrame. Los recipientes vacíos representan especies en peligro de extinción como consecuencia de la catástrofe – visualmente esta era una forma de enmarcar la ausencia y sugerir el potencial colapso futuro de los ecosistemas.

Brandon Ballengée - Collapse

Brandon Ballengée - Collapse (Detail)

Tu elección de materiales o técnicas cambia con el tema, ¿tienen un significado específico ? En caso afirmativo, ¿podrías explicar algunos de ellos?

Los materiales cambian en función de la manera en que mejor se pueda representar la idea que subyace en el proyecto. Por ejemplo “Dying Tree” y “Ti- tânes”, dos nuevos temas de trabajo, utilizan materiales muy distintos para responder a uno de los objetivos más ambiciosos que persigue el movimiento ecologista: la percepción humana del tiempo limitado.

Como individuos, la mayoría de nosotros ni siquiera puede contemplar nuestra propia corta existencia, y mucho menos la de los organismos como los árboles, que en algunas especies pueden vivir más de 4000 años. ¿Cómo podemos comprender el concepto de la existencia de un organismo con una vida tan larga; o una muerte que puede, literalmente, llevar décadas; o, incluso, a un nivel más amplio, la idea de que ciertas especies están siendo abocadas a la extinción prematura a causa del cambio climático y la degradación del hábitat?

Dying Tree” (2012 -presente ) es un árbol moribundo arrancado físicamente y puesto dentro de un museo donde se puede apreciar el sonido amplificado de su muerte gradual. Micrófonos transductores incrustados en la superficie del árbol capturan el sonido del agua que se evapora de las diversas capas de tejido de madera conforme las células se van secando, una por una, y van muriendo poco a poco. La instalación en su totalidad da presencia física y sonora a la lenta desaparición de un árbol más o menos de mi edad.

brandon_ballengee_dying_tree_3

Con la serie “Ti-Tanes“, pretendo retratar especies animales antiguas, que son capaces de sobrevivir (tal vez incluso prosperar) en hábitats alterados, desde un punto de vista ambiental, por la actividad humana. Dichos organismos han sobrevivido millones de años y ahora se están adaptando a la degradación ecológica actual. Simbólicamente la serie tiene la intención de vincular tales animales a deidades arcaicas de la naturaleza que sobreviven, desterradas, en entornos actualmente degradados. También hace referencia al tiempo en el sentido ecológico a través de especies que han existido por mucho tiempo y tal vez incluso sobrevivan mucho más allá que la nuestra propia.

Brandon Ballengée - Ti-tânes - Mnemosyne - SB1_1

En la mitología griega los TI-Tanes o Titanes, eran las antiguas deidades originales nacidas de Gaia (la Tierra) y Urano (el Cielo). Los Titanes eran producto de la naturaleza primaria y finalmente fueron derrocados por los dioses del Olimpo, es decir, los dioses de aspecto humano representados en la mitología clásica greco-romana. Aunque los Titanes fueron derrotados, sobrevivieron, desterrados a tierras austeras. Este cambio de paradigma es una fuerte metáfora de nuestro enfoque occidental hacia la naturaleza y el medio ambiente, el cambio desde la reverencia al mundo natural hasta la adoración antropomórfica, que continúa centrándose en el ser humano e impulsando la explotación de los recursos naturales.

Para crear mis “Ti- Tanes”, cogí tres peces de una especie antigua, de un canal contaminado en Chamarande, Francia. Los especímenes fueron decolorados y teñidos posteriormente, después se fotografiaron en carbón (carbón fósil), con la intención de hacer referencia a la vida antigua así como a los cambios en el clima actual debido a la quema continuada de estos combustibles fósiles. Aunque los peces reales eran muy pequeños (menos de 3 cm. cada uno), los retratos mitológicos miden más de 3 metros de longitud cada uno y se muestran en cajas de luz de doble cara. Se escalaron para que el observador humano los vea de una magnitud superior a la de nuestro cuerpo ordinario, a una escala grandiosa y sublime como la naturaleza misma. Mostrados como esqueletos que no pretenden representar la muerte, sino la vida que persiste en ecosistemas enrarecidos debido a la actividad humana .

Brandon Ballengée - Ti-tânes - Overview 2

¿Ves un cambio en la forma en que galerías y marchantes de arte consideran el bio-arte?

En la última década, ha habido un gran cambio en el mundo del arte, comenzando a acoger el bioarte o ecoarte. Cuando empecé a exponer en los años 90, la gente decía que mi trabajo era ciencia y no arte, ahora es muy diferente y mucho más abierto. Creo que esto se debe a que más artistas están respondiendo a los problemas ecológicos y en general la población es mucho más consciente de la crisis ambiental a la que nos enfrentamos. Casi todo el mundo en nuestro planeta ahora entiende que el cambio climático es real (incluso en los Estados Unidos). La mayoría de las personas también se dan cuenta de que la biodiversidad está disminuyendo e incluso nuestra especie está en peligro, a menos que nos volvamos más sostenibles. Así que, en mi opinión, hay una especie de ímpetu hacia este tipo de arte que puede ayudar a que la gente sea más consciente e incluso aporte soluciones a los problemas del mundo real a los que nosotros y otras especies nos enfrentamos.

Mil gracias a Brandon Ballengée por su tiempo y por compartir tanto sobre su trabajo, y también a nuestra Makamera, Roma, por la traducción, por el apoyo y por su ayuda en cada etapa de preparación de la entrevista.

Los afortunados como yo podrán verlo en Sittard (Países Bajos), a partir del 15 de Febrero, fecha de la inauguración de su exposición Seasons in Hell (Temporadas en el Infierno) en el Museo Heit Domein.

Todas las fotos son cortesía del artista, de Ronald Feldman Fine Arts, NYC y de Nowhere Gallery, Milan. 

Original Interview in English


1. Can you explain what your process is? And what do(es) you (it) stand for?

As an artist and biologist my practice falls into a transdisciplinary approach. Underlying my practice is a systemic methodology, which posits art practice as a means of realizing research science, and vice-versa. An underlying goal throughout is engaging people with an environmental message my form of ecosystem activism. In what I call ‘participatory biology’ I train volunteers to help collect data and participate in actual science research. Through art I attempt to reach audiences at different sensory levels, by seeing images or experiencing installations viewers connect with organisms at an intimate one to one level.


2. How did you become the « frog guy »?

I grew up in a rural area surrounded by nature and animals. My earliest memories are of looking frogs, toads, salamanders, fish and insects- drawing them and later recording their behavior in a lab built in my parent’s basement. As a teenager I was making giant paintings – yes a teenage abstract expressionist as scary as that sounds- then news started to come out about the global decline of amphibians and later malformation in their populations. I was angry, concerned and wanted to do something- so I began making art about them to get the message out.

Artists can play a significant role in increasing ecological awareness through their artworks about nature and direct interventions into local communities. Frogs and other amphibians are a wonderful group of animals. Their variations in colors, shapes and behaviors have always fascinated and people. Unfortunately they are also very environmentally sensitive. Of the known species, over 40 percent of them are in decline or already extinct. Many of these populations have plummeted over the past four decades. Finding the causes and potential solutions is important now to protect them as best we can. I hope my art and science can help do this.

3. How can a scientist end up doing art?

Historically many scientists created art: Charles Darwin’s Grandfather Erasmus Darwin was a physician and poet; John Gould and John James Audubon were visual artists and proto-ornithologists; Ernst Haeckel described countless microbes through his beautiful drawings which informed his science; Leonardo da Vinci of course. It is only recently (mostly after WWII) that culturally restrictive boundaries between art and science have been solidified.

My practice as a scientist informs and inspires my art. While conducting primary research biological studies scientific methods and standards are rigorously followed. The art is an expression derived from experiences with animals in natural or artificial conditions and from the primary scientific research. While making art, I work more intuitively and reflect on the science questions in a different less objective way. This looking from a different viewpoint inspires new questions, experiments and more science. So the practices inform one-another but also the results reach different audiences. Through science, I can achieve a better understanding of biological phenomenon and share the findings with the scientific community. Whereas my artworks can more readily carry information about ecology to a wider non-science audience.

4. To an observer it might seem that Science and Art are two completely separate and opposed universes, is that true or do they have anything to contribute to each other?

Fundamentally art and science are both creative ways that we make sense of the world around us. The methods and results are very different. Science must stay objective and follow methods of experimentation, which can be replicated by other scientists. Art is more about individual expression, making up guidelines and can be much more subjective. Nether of these definitions are fixed, artists and scientists are always expanding, constructing, deconstructing and recreating what art and science are. At there best the two practices can inform one-another for more of a holistic or transdisciplinary understanding of the way we perceive ourselves and the world.

5. Malamp: by staining and then photographing, the specimens look like they were radiographed. Is it what you wanted? Why you chose to stain over radio (except to avoid the easy way!)

The chemically “clearing and staining” of terminally deformed frogs found in nature enables a level of abstraction or distance while simultaneously revealing the complex configuration of malformed development. It alters direct representation as I do not want to exhibit large images of ‘monsters’, which would be frightening and be exploitative of the misfortune of the organism. Aesthetically, dyed bone and cartilage are vibrantly colored in contrast to the skin, which is semi-transparent almost shroud or ghost-like. Once cleared and stained the specimens look almost like x-rays, but have more detail and intense colors.

This clearing and staining process is followed by high-resolution scanner photography -direct imaging to reference the historic tradition of photograms by earlier scientists like Anna Atkins. Each scan becomes a portrait of that individual organism. These portraits are printed as unique watercolor ink prints (never made into editions) and each individual is centered appearing to “float” in what looks to be clouds or the nigh sky. This otherworldly quality is reinforced by the titles named after ancient characters from Greco-Roman mythology. They are scaled so the frogs appear approximately the size of a human toddler, to invoke empathy instead of detachment or fear- if they are too small they will dismissed but if they are too large they become monsters. Each finished artwork is unique and never editioned, to recall the individual animal and become a reliquary to a short-lived non-human life. This is what I call my ongoing series “Malamp Reliquaries”

6. What was the first work you made or method you used, the ground idea that made you clicked and drove your work since?

Yes, there are many. One for example that stands out was the creation of the first Malamp Reliquaries. In 2001, my long-term collaborator Stanley K. Sessions and I were given funding from the Rockefeller Foundation to explore how technology could be used to image biodiversity at the Institute for Electronic Arts at Alfred University (USA). At the IEA we were scanning cleared and stained specimens at extremely high-resolutions and making experimental prints. One night after 14 hours of work we made a single toddler sized deformed frog image on an Iris printer (water color ink on water color paper). The resulting artwork (“DFA 83: Karkinos”) made us speechless, it actually brought tears to our eyes. After many years of trial and error, this technique worked perfectly with the underlying concept- of wanted people to care about these deformed animals. The color from the Iris printer was intense but subdued- not shocking but instead beautiful, deep and inviting. The scale made the specimen childlike, not too large and scary nor too small but instead at our scale- creating a one on one intimate connection between the frog and the viewer.


7. What is the craziest thing you did as an artist?

How do you define crazy?… well by most people’s standards making sand castles from radioactively contaminated soil might be one of them, which I did for a project called “Acme Labs: A Field Trip to Fernald” back in 2000. A later project involved having my blood, hair and tissues analyzed for industrial pollutants, then using my blood as paint mixed with contaminates to make the series “Alchimie de la Douleur”. Other projects, my “Love Motels for Insects” http://brandonballengee.com/projects/love-motels/ are outdoor light sculptures designed to encourage insect fornication and create participatory trans-species happenings between humans and arthropods. Or attempting to breed back to life a species of frog that may be extinct in nature. None of these or my other projects are meant to be crazy but instead just means to get ideas across to people.

8. If you were a mad scientist, what science fiction project would you like to work in?

Envision sustainable cities that created not just consumed energy -not only human capital but natural capital.

Envision trans-species equal rights to natural resources for all species.

Envision the realization that all human beings male, female, transgender, brown, white, purple, green are all one unified species. We are all the same damn animals so why do we keep fighting among ourselves and destroying our earth home?

Envision belief systems where people stop fighting one another and work towards a common good for our species and others.

Envision a future where people understand the greatest resource we have on our planet is biodiversity and collectively work to protect it. Cultural diversity falls within biodiversity as we are one among all other species, and we should all work towards protecting this.

9. The silence and the absence are somehow very present and intense in your work, sometimes more than what is, for example in Collapse or in Framework of Absence. Can you explain?

Silence and absence are metaphorically used to recall extinction. For most of us the idea of an entire group of organisms being dead forever is very hard to comprehend. We have such short life spans and even our own mortality is often so difficult to understand, let alone the idea of permanent biological loss as a result of species extinction.

For years I tried to think through what extinction means and how to express this through art. In the late 1990’s, I collected historic books and artworks then inked out the pictures of animals that had gone extinct. Later this evolved into creating installations, such as An Illustrated Key to the Fishes of Jamaica Bay ca. 1974- 2024 AD. (2002-2004), where preserved specimens were backlit, so they appeared as silhouettes to the viewers. Here, preserved fish were seen as dark forms to imply loss of species due to present and future environmental degradation.

More recently, in my series Frameworks of Absence: The Extinct Birds of John James Audubon (2006-ongoing) I responded to the loss of avian species. I physically cut the birds from historic John James Audubon prints. Acquired over several years, original prints were chosen from the time when the depicted bird species became extinct. For example, in RIP Pied or Labrador Duck (2007), the birds were removed from an original 1856 Royal Octavo (hand-colored by one of Audubon’s sons) printed at the same point in history the actual species became extinct. The resulting image minus the subject is what I refer to as a framework for absence. .

The installation “Collapse” responded to the unraveling of the Gulf of Mexico’s food-chain following 2010 BP Deepwater Horizon (DWH) oil spill and use of teratological dispersants used to “clean” the oil. Physically, “Collapse” was a pyramid display of hundreds of preserved fish, other aquatic organisms and DWH contaminates in gallon jars. There were over 25,000 specimens in the piece and nearly 700 jars- from huge deep sea roaches (isopods), to oil stained shrimp with no eyes, to jars packed with tiny sea snails- it was really meant as a sketch, literally less than 5% of the biodiversity of the Gulf and a tiny fragment of the life that was lost from the spill. Empty containers represented species in decline as a result of the disaster- visually this was a way to frame absence and suggest the potential future ecosystem collapse.

10. Your choice of material or technics changes with the subject; do they have a specific meaning? If yes, could you explain some of them?

The materials change depending on how best to portray the idea underlying the project. For example two newer bodies of work, “Dying Tree” and “Ti- tânes” utilized very different materials to respond to one of the largest underlying struggles of the environmental movement: the limited human perception of time.

As individuals, most of us cannot even contemplate our own short existence, let alone those of organisms such as trees, which in some species may live for over 4000 years. How can we grasp the concept of such a long-lived organism or a death which may literally take decades, or even, at a larger level, the idea of species like this being driven to untimely extinction because of climate change and habitat degradation?

“Dying Tree” (2012-ongoing) involved physically uprooting a sick (dying) tree and amplifying the sound of it’s gradual death inside of a museum. Transductive microphones embedded in the surface of the tree captured the sound of water evaporating from the varied layers of wood tissue, as the cells dried one by one they were dying. In it’s entirely the installation gave physical and audible presence to slow demise of a tree roughly my own age.

With the “Ti-tânes” series, I aimed to portray ancient animal species, which are able to survive (perhaps even thrive) in habitats environmentally impacted by human activity. Such organisms have endured millions of years and are now adapting to today’s ecological degradation. Symbolically the series is meant to link such animals to archaic lingering nature deities surviving, banished, in now degraded environs. It also references time in the ecological sense through species who have existed for much longer and perhaps will survive much longer than our own.

In Greek mythology the Ti-tânes or Titans, were the ancient primordial deities born from Gaia (Earth) and Ouranos (Sky). The Titans were products of primordial nature and eventually overthrown by the Olympians, human-like gods represented in classical Greco-Roman mythology. Although the Titans were defeated, they survived, banished to austere lands. This paradigm–shift is a strong metaphor for our Western approach towards nature and the environment, the change from reverence to the natural world to anthropomorphic adoration, which continues to drive human-centric exploitation of natural resources.

To create my “Ti-tânes”, three fish of an ancient species were collected from a polluted canal in Chamarande, France. The specimens were cleared and stained, and photographed on coal (fossilized carbon) meant to recall ancient life as well as changes to today’s climate made through the continued burning of such fossil fuels. Though the actual fish were small (less than 3 cm. each), to create the mythical portraits over 3 meters each in length and displayed on double-sided freestanding light-boxes. They were scaled so the human viewer sees them at a magnitude beyond our ordinary bodily scale- grandiose and sublime like nature herself. Viewed as skeletons they were not meant to represent death but instead life persisting in ecosystems made preternatural by human activity.

11. Do you see a change in how galleries and art dealers consider bio-art?

In the past decade, there has been a huge change in the art world towards beginning to embrace bioart or ecoart. When I first starting exhibiting in the late 90s people said the work was ‘science and not art’- now it is really different and much more open. I think this is because more artists are responding to ecological issues and in general the population is much more aware of the environmental crisis we face. Almost everyone in the world now understands climate change is real – even in the United States. Most people also realize biodiversity is in decline and even our own species is at risk unless we become more sustainable. So to me there is a kind of impetus for this kind of art, which may help to make people more aware and even find solutions to real world problems we and other species face.

Donia Hamzaoui

Dedicada a la creación y expresión de marca. Inspirada por la Serendipia con fines de extraer creatividad, estética y conectar lo que emana del aleatorio y hermoso caos que nos rodea. Animada por encontrarla por el puente entre las culturas. También colaboro en el blog Cóctel Demente.

More Posts - Website

Follow Me:
TwitterLinkedInPinterestGoogle Plus

4 Comments on this post

  1. Donia, ha sido un auténtico placer poder colaborar en la realización de esta estupenda entrevista. Me ha permitido adentrarme en la obra de Brandon y observar con atención cada uno de sus proyectos, escuchar y comprender el mensaje tan profundo que trata de hacernos llegar. Es fascinante. Creo que ha cambiado algo en la estructura de mis esquemas mentales. Sus instalaciones tienen algo de solemne y majestuoso que hacen parecer al ser humano una cosa pequeña, pero al mismo tiempo abominable y despreciable. Espero que no sea demasiado tarde, que algo haya empezado a cambiar ya. Ahora me gustaría ser un árbol para poder echar una siesta y, al despertar de ella, encontrarme en ese futuro ¿utópico? donde hay ciudades sostenibles; donde hay igualdad de derechos a los recursos naturales para todas las especies; donde todos los seres humanos, masculinos, femeninos, transgénero, marrones, blancos, morados o verdes son una especie unificada y existe un sistema de creencias en el que las personas dejan de luchar entre sí y trabajan hacia un bien común para su especie y para las demás y todos entienden que el mayor recurso que tenemos en nuestro planeta es la biodiversidad y se trabaja colectivamente para protegerla. Pero como soy un breve ser humano, mejor implicarse y hacer algo; de momento se me ocurre apoyar la difusión de su mensaje.

    Suertuda, me iría contigo a Sittard.

    Roma Gutiérrez / Responder
    • Roma, tu comentario es precioso.
      La obra de Brandon es emocionante, escalofriante de realidad y sí, majestuosa…como la naturaleza.
      La difusión del mensaje de Brandon ya es algo grande porque sin difusión, ¿existe el mensaje?
      No hubiera sido posible sin ti y todo el equipo Makamo.

  2. […] Como decía Brandon Ballengée en su entrevista: […]

  3. […] es la primera vez que os hablamos de ello; desde Makamo tuvimos el placer de entrevistar a Brandon Ballengée , biólogo y artista, fue con él donde pudimos comprobar la fina barrera entre ciencia y […]

Deja un comentario

Tu dirección de correo electrónico no será publicada. Los campos obligatorios están marcados con *

*

AVISO: El acceso a este Blog no presupone la adquisición por parte de los usuarios de derecho de propiedad sobre los contenidos que figuran en el mismo. Si deseas republicar parte del contenido, debes solicitar autorización y citar la fuente www.makamo.es. Para más información, consulta nuestra Política de Privacidad

Este sitio web utiliza cookies propias y de terceros para mejorar tu experiencia de usuario. Si continúas navegando estás aceptando su uso y nuestra política de cookies. ACEPTAR